Boyan Hristov

El músico y productor Boyan Hristov, originario de Bulgaria y graduado del Berklee College of Music, ha recorrido escenarios de todo el mundo con su propuesta que fusiona soul, funk, latin y R& B. En esta entrevista exclusiva con FOTKAI, comparte su visión sobre la educación musical, la libertad creativa y el poder transformador del arte.

Tu álbum «Vitamin for the Soul» combina elementos de soul, funk, latin y R& B. ¿Cómo defines tu estilo musical y qué es más importante para ti: la identidad de género o el impacto emocional en el oyente?

¡El impacto emocional, por supuesto! La música debe ser buena. El estilo o el género no importan tanto en general, aunque no todos los géneros son iguales. El rap, por ejemplo, fue impulsado por la CIA y ciertas industrias, y ya sabes que eso resulta perjudicial. Debería ser evidente, pero pocos lo ven. No alimentes tu alma con cosas malas: ¡eres lo que comes!

Te graduaste en el prestigioso Berklee College of Music de Boston. ¿Cómo influyó esa formación en tu filosofía musical y en tu forma de componer?

Mi educación es un proceso continuo. La mayoría de la gente piensa que termina cuando sales de un edificio con un diploma en la mano. Eso es un completo sinsentido, y puedo asegurar que la mayoría de las instituciones educativas hoy en día enseñan muy poco en realidad. La educación es una responsabilidad personal, y yo me la tomo muy en serio. Berklee fue solo un pequeño paso en el camino.
He estudiado música formalmente en tres escuelas, y eso me ha funcionado muy bien: conozco y domino conceptos artísticos bastante exclusivos, y como he dedicado mi vida a la música, eso es importante para mí. Aprender el lenguaje musical es esencial, pero al final lo que cuenta es la música que haces. Aprendes el alfabeto, la gramática, el vocabulario, y empiezas a hablar; pero lo que realmente importa es lo que dices y el impacto que tiene. Lo mismo ocurre con la música. La educación me ha ayudado a hacer el bien, pero hacerlo mejor.

Has girado por muchos países y culturas. ¿Qué diferencias en la percepción de la música has notado alrededor del mundo, y cómo influye eso en tus actuaciones y en tu repertorio?

Los países y las personas de habla inglesa conectan mucho mejor con lo que hago, aunque la música sea un lenguaje universal y amado por la mayoría. Sin duda, no todos los públicos son iguales. Mis favoritos son los estadounidenses blancos: conocen la música, el idioma, no tienen miedo de bailar y, además, pertenecen a esa minoría selecta que da propina. He vivido en tres continentes y he tocado para todo tipo de gente. ¡Prefiero a los estadounidenses blancos por encima de cualquiera, cualquier día!

También has trabajado como músico en cruceros. ¿Cuáles son las principales diferencias entre tocar en el mar y hacerlo en tierra firme? ¿Algún momento inesperado durante esos shows?

La diferencia entre tocar en un barco y en tierra es que, cuando estás meses fuera de casa, se parece más a un trabajo de oficina: el nivel de exigencia musical es muy bajo. Básicamente, solo tienes que llegar a tiempo y cumplir con lo que te piden. Además, hay que hacer montones de entrenamientos absurdos sobre cómo lavarse las manos o sonreír, porque estás encerrado en una lata con gente que tal vez vea una cañería por primera vez en su vida.

Si los conciertos en el mar se hicieran en tierra, la mayoría de las empresas cerrarían: los gerentes de los barcos suelen ser incompetentes en cuanto al entretenimiento, y ven la música y a los músicos igual que al tipo que pela patatas en la cocina: eres parte de una operación hotelera, con un número de horas que cumplir, tenga o no sentido que estés allí. Así que en la mayoría de los conciertos en el mar tocas durante horas frente a nadie, salvo el personal.

Para mí, ha sido un ejercicio de disciplina, porque me mantengo fiel a mis propios estándares, sin importar las circunstancias. La música es un oficio, y he aprovechado ese tiempo para perfeccionar mi arte.

Hay demasiadas anécdotas que contar, pero en resumen: me alegra haber dado la vuelta al mundo varias veces y, más aún, haber trabajado con personas de todos los lugares imaginables. Esa experiencia solo se obtiene ahí fuera, en un barco. He notado que la mayoría de los músicos no aprovechan la oportunidad de abrir los ojos al mundo: simplemente beben y se vuelven cínicos. Para mí, trabajar en cruceros ha sido la experiencia más formativa de mi vida hasta ahora.

A través del programa Erasmus for Young Entrepreneurs colaboraste con Karsten Dines, CEO de Sound Matters. ¿Qué lecciones clave sobre el negocio musical aprendiste de esa experiencia y cómo ha moldeado tu carrera?

Con la ayuda de Karsten aprendí a planificar mejor, un poco más sobre contabilidad y responsabilidad, y a ser más consciente de la otra parte en una negociación comercial para lograr un resultado beneficioso para ambos. Esa experiencia reforzó mi convicción de que uno debe crear sus propias oportunidades.

Tu trabajo abarca interpretación, producción, arreglos y creación de contenido. ¿Cómo equilibras la libertad creativa con las exigencias comerciales de la industria?

No «contenido»: ¡música, arte!
Ya no existe una industria para gente como yo, y por eso mismo no hay demanda para lo que hago. Y eso es genial: significa libertad creativa total cuando creo. Tocar en conciertos es mi trabajo, y lo mantengo separado de mis proyectos artísticos. Soy un animador y un artesano profesionalmente, y un artista por vocación y por corazón. Alguien tiene que pagar las facturas, al fin y al cabo. El flautista también tiene que cobrar.

En tu Instagram vemos no solo videos musicales, sino también fotos de conciertos. ¿Cómo percibes el aspecto visual de la música y qué papel juega en tu proceso creativo?

Las fotos y los videos en redes sociales son necesarios, por supuesto, pero para mí no son el fin, sino el medio. El objetivo es hacer contactos, tocar, reservar conciertos. El impacto visual en la música es enorme. Yo creo que hay que lucir lo mejor posible: es una forma de respeto hacia el público y hacia el oficio. Tu arte visual debe ser hermoso y, con suerte, complementar bien a la música. Como músico, pongo la música en primer lugar, pero creo que la mayoría de la gente percibe principalmente lo visual. La vida sigue.

Has mencionado que la música debe traer alegría. ¿Cómo mantienes esa perspectiva en una industria tan movida por intereses comerciales?

Muy fácil: no participo ni tengo ningún interés en esa industria, porque nadie quiere a alguien como yo allí, y nunca he sido ni seré parte de ella. Es corrupta, satánica, manipuladora, dirigida por la gente equivocada por los motivos equivocados. La música debe elevar el espíritu. Mantener esa perspectiva me resulta natural. Todo lo demás simplemente se siente mal y me enferma.

¿Qué significa «MOST WNTD» para ti, personal y artísticamente?

Es un pasatiempo súper divertido: tocar música alegre con los mejores músicos que puedo reunir para un concierto. Podría hacerlo todos los días. ¡Ven a uno de nuestros shows!

Para terminar, ¿qué opinas del trabajo de FOTKAI y de su esfuerzo por preservar esos pequeños pero significativos momentos de la vida y de la música?

Están haciendo un trabajo tremendo documentando la vida de una manera hermosa y significativa. Les deseo lo mejor para el futuro y espero formar parte de ello también. Algún día todo este cuerpo de trabajo será un documento importante, y espero que reciban el reconocimiento que merecen. Pero no dependan de eso: sigan haciendo lo que el corazón les diga que es bueno. Estamos juntos en esto.